30 de Septiembre de 2104
Neoclásico
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| Catedral de San Pablo por Sir Christophen Wren |
Es
un estilo asociado con los protestantes en donde la religión es un proceso más
humano y terrenal.
El
estilo neoclásico se caracterizó por ser una mezcla de varios modelos como por
ejemplo el renacentista y el barroco como en la Catedral de San Pablo. Otra característica
del neoclásico es que se empezaron a trabajar los jardines, aparece nuevamente
el fondo que había desaparecido en el estilo Barroco, vuelve la proporción, el trabajo
de la luz es muy realista y jamás se ven los brochazos. Los retratos dejaron de
ser extravagantes y pasaron a ser en poses muy casuales, los personajes de la época
se retrataban sencillos para no seguir el modelo monárquico.
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| Hércules y Lica por Antonio Canova |
Uno
de los principales exponentes de este estilo fue William Kent, Antonio Canova
quien fue un personaje escandaloso que hacia esculturas con detalles
impresionantes y Andrea Paladio que por su estilo extremadamente neoclásico no
resalto en el renacimiento. Para el neoclásico se volvieron a reproducir
muebles clásicos y se recuperaron las referencias de Pompeya.
Se
buscaba reafirmar el poder pero de forma terrenal. En cuanto a la vida diaria,
los encuentros y debates en áreas públicas se volvieron comunes al igual que
los juegos de azar.
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| Jaques-Louis David |
Por
lo anterior mencionado, las mesas de juego eran uno de los muebles más
solicitados. Las sillas ya no contaban con la forma de violín del barroco ni
con el espaldar todo acolchonado, las estructuras eran rígidas, no vendían los
cojines pegados sino aparte.
En
este periodo aparece Jaques-Louis David, pintor de la corte que dejo de
retratar temas religiosos y mitológicos, quien sería posteriormente influencia para las
vanguardias.
Victoriano
Estilo
caracterizado porque la mezcla de estilos y en donde los burgueses buscaban
copiar a los nobles. Ejemplo de esto es que los burgueses convirtieron los
perros en mascotas mientras que para los nobles, al principio, era símbolo de
poder y los usaban para cazar. Así mismo, los burgueses hacían uso del papel de
colgadura con la función de imitar el
papel tapiz y a los frescos. Lo anterior seria posteriormente llamado Snob.
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| Postal de Jubileo de la Reina Victoria |
Los
burgueses eran llamados “advenedizos” que quiere decir levantados y se puso muy
de moda el Kitsch era el sobrenombre ofensivo las creaciones estilísticas producto
de la industrialización. Se idealizo mucho el amor lo cual fue una característica
estética de la época. También surgen las festividades asociadas con la familia
como navidad y los símbolos que vienen con ella y se desarrolla la estética y
la gráfica súper recargadas con influencias del neoclásico.
La
Reina Victoria abrazaba la tecnología por lo tanto fue la primera en dejarse
fotografiar. También se sacó una postal que la gente podía adquirir y verla,
hizo una masificación de su imagen, la postal de Jubileo le llego a todo el
mundo y con esto consiguió que la gente se sintiera más cercana a ella. Se
pintaban fotografías a mano.
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| Silla diseño de Michael Thonet |
En
el Victoriano se debía reproducir en serie por lo que se requirió el desarrollo
de nuevas estéticas. Además, era sumamente recargado y buscaba la imitación de
materiales auténticos. Surgen diseñadores importantes como Michael Thonet que
implementa la técnica de curvado de madera, lo cual se convirtió en una estética
icónica del momento y Thomas Chippendale quien implementaba el uso de temas
para sus diseños.
Thomas Chippendale
Nació
en Otley, Yorkshire en 1718 y murió en Londres en 1779. Chippendale era hijo único
de una familia de carpinteros de Yorkshire. Los detalles de su carrera temprana
son desconocidos pero en 1748, a sus 30 años, se mudó a Londres en donde comenzó
como cabinet-maker. Se casó y tuvo una numerosa familia.
En
1754 publico The Gentleman and Cabinet-Maker´s Director, un libro de patrones
que aseguro su posición como uno de los más eminentes cabinet-makers del siglo
XVIII. El taller de Chippendale estaba en St. Martins Lane, el nuevo centro de
la moda en el área de fabricación de muebles en Londres. Desde entonces emprendió
muchos proyectos de decoración a gran escala para grandes casas en toda Gran Bretaña.
Modelo
de diseño
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| The Director |
El
diseño de muebles era ocasionalmente publicado antes de 1754, pero the Director
fue la primera publicación a gran escala. Este incluía diseños de “sabor gótico,
chino y moderno” (el ultimo significaba el estilo Rococó francés).
No
todos los muebles suministrados por Chippendale fueron exactamente seguidos como
en sus diseños publicados. Muchos fueron simples piezas para habitaciones y
espacios privados. Los patrones podían también combinar elementos de The
Director para hacer creaciones hechas a la medida. Para Dumfries House en 1759
solo 12 de 50 elementos fueron ordenados de The Director.
A
pesar de su éxito, Chippendale nunca recibió una significativa comisión como si
lo hicieron algunos otros cabinet-makers del sitio.
Modelo
de negocios
El
negocio de Chippendale creció rápidamente. Desde 1755 su fuerza de trabajo
estaba compuesta por entre 40 y 50 artesanos, incluyendo cabinet-makers,
tapiceros y talladores. Chippendale no solía hacer los muebles el mismo. Su rol
era hacer los diseños, cultivar clientes y promover el negocio.
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| Diseño de Thomas Chippendale |
El
flujo de dinero fue un constante problema debido a que los clientes rara vez pagaban
a tiempo. Chippendale se asoció con un mercader escoces llamado James Rannie y después
con el contador Thomas Haig. Su perspicaz forma de negocios complemento el
talento empresarial de Chippendale. En 1776, el hijo de Chippendale también llamado
Thomas, tomo la firma. Con la continuación de las dificultades financieras y la
muerte de Haig, la empresa cierra en 1804.
Jules Cheret
Nació
en Paris, fue hijo de una pobre pareja de artesano. Debido a sus recursos
limitados tuvo una educación limitada. A sus trece años se convirtió en
aprendiz de un litógrafo y fue allí donde fluyo su interés por la pintura que
lo llevaría después a tomar un curso de arte en el the Ecole Nationale de
Dessin. Como otros artistas, Cheret estudio técnicas de varios artistas del
pasado y del presente visitando museos de Paris.
Él
fue entrenado en litografía en Londres desde 1859 hasta 1866 y fue fuertemente
influenciado por el enfoque británico de diseños de poster e impresiones.
Cuando volvió a Francia, influenciado por las escenas de frivolidad
representadas en las obras de Jean-Honore Fragonard y otros artistas del Rococó
como Antoine Watteau, Cheret creo posters para cabarets, salones de música y teatros
como Eldorado, the Olympia, the Moulin Rouge y otros.
Tenía
mucha demanda por lo que expandió su negocio hasta proveer la publicidad de las
obras de teatro de compañías en gira, festivales municipales y después para
bebidas y licores, perfumes, sopas, cosméticos y productos farmacéuticos. Incluso
hizo publicidad a compañías ferroviarias y empresas manufactureras.
Los
temas de sus posters eran generalmente mujeres de “espíritu libre” con lo que
logro capturar una gran audiencia que lo apodo “el padre de la liberación de
las mujeres”. Las mujeres eran previamente representadas en arte como
prostitutas o puritanas. Las mujeres de los posters de Cheret eran alegres y
elegantes y eran popularmente llamadas Cherettes. Esto significo la liberación de
las mujeres de Paris, en donde las mujeres podían ser contratadas para actividades
tabú, así como también ponerse blusas escotadas y fumar en público.
En
1895, Cheret crea la colección the Maitres de l´Affiche que inspiro una
industria emergente de una nueva generación de diseñadores de posters e
impresiones como Charles Gesmar y Tolouse-Lautrec. Uno de sus estudiantes fue
Georges de Feure.
Referencias:
Victoria and
Albert museum (s.f.). Thomas Chippendale. Recuperado el 7 de noviembre de 2014. Disponible
en http://www.vam.ac.uk/content/articles/t/thomas-chippendale/
Anónimo (s.f). Jules
Cheret. Recuperado el 7
de noviembre de 2014. Disponible en http://www.jules-cheret.org/
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