sábado, 15 de noviembre de 2014

Escuela de Bauhaus

14 de Noviembre de 2014
Bauhaus
La Escuela de Bauhaus nace en el año 1919 y llega a su final en 1933.Esta influenciada por el constructivismo y el neoplasticismo y se funda bajo la ideología del Arts & Crafts.

Antecedentes

Gracias a la Primera Guerra Mundial, las ideas revolucionarias – socialistas tomaron fuerza. Estas ideas marcaron como a Bauhaus desarrollaría su diseño.

Las Escuelas de Bellas Artes se vieron desacreditadas y superadas por las Escuelas de Artes y Oficios. Las artes decorativas tuvieron la mayor importancia.

Walter Gropius fue el principal pensador de la Bauhaus. Era un profesor alemán de la Escuela de Bellas Artes y propuso fusionar la Escuela de Artes Plásticas con la de Artes y Oficios.

La Bauhaus sentó las bases de lo que hoy se conoce como diseño industrial, gráfico y textil. Influenció la escuela de Ülm que es el modelo de estudios en Latinoamérica.


Primer Período: Walter Gropius

Walter Gropius
La Bauhaus tuvo tres directores y sedes. Weimar fue la primera sede, fue fundada como escuela estatal en donde el alumno estudiaba artesanía, dibujo y ciencia. Se educaban para diseñar para todo tipo de gente y se centró en experimentar. Conto con el famoso artista Josef Albers como maestro.

Gropius permitió instaurar en la escuela la premisa de despertar la creatividad al estilo Dadá. No tuvo una unidad de creación clara porque se basaban en experimentar. En los proyectos mezclaban materiales distintos lo que requería el dominio de ambos materiales y técnicas.
Sede de la Bauhaus en Weimar
Tenían muchos talleres, el de textiles que era supremamente famoso, de juguetes, entre otros. Se hacían collage y experimentaciones tipográficas. Las artes escénicas empezaron a formar parte de la Bauhaus para expresar estados de ánimo de una forma distinta.
 De esta escuela salió Marianne Brant y Marcel Breuer.





Neoplasticismo – De Stijl

Model Maison d’Artiste de
Theo van Doesburg
Toma el nombre debido a que Stijl fue la primera revista en donde varias obras de artistas de este estilo fueron publicados.

Piet Mondrian sentó las bases estéticas del Stijl, desarrolló un arte de abstracción geométrica pura. Sus cuadros están armados en proporción aurea, pues expresaba que la proporción divina era la que demarcaba la belleza y además utilizaba los colores básicos en sus obras.
El encargado de llevar el neoplasticismo a la Bauhaus fue Theo van Doesburg.



Dessau
Sede de la Bauhaus en Dessau
Fue en donde se situó la segunda sede de la Bauhaus y sigue los principios constructivos del constructivismo. Walter Gropius dejo su puesto en 1927 y con eso muchos dicen que se marcó el final de la escuela.

Se evidencio la igualdad de género, muchas mujeres eran admitidas en la escuela. Lo cual no era normal para la época.
Variaciones de máscara de Oskar
Schelmmer
Sillas de tubo de Marcel Breuer
De allí salieron proyectos conocidos como las máscaras de Oskar Schelmmer y las sillas de tubo de Marcel Breuer, aun populares en la actualidad.







Hanner Meyer
Segundo período: Hannes Meyer

Meyer era arquitecto por lo que cambió el rumbo artístico de la Bauhaus. Reforzó el constructivismo y el neoplasticismo.

Los diseños se empezaron a basar en pura funcionalidad, para resolver necesidades  y se abandonó el espíritu creativo que luego marcaria la posterior educación del diseño.

Hannes Meyer fue destituido de su cargo luego de declararse públicamente filósofo marxista en 1930.

Tercer período: Mies van der Rohe

Mies van der Rohe
Van der Rohe es uno de los arquitectos modernistas más famosos que convirtió la Bauhaus en una escuela de arquitectura, eliminó los asuntos de arte para el pueblo y los talleres de experimentación.

Se trató de alejar en lo posible de lo político, sin embargo, existían grupos de estudiantes que continuaban con este estilo y finalmente la escuela en Dessau fue cerrada.


Sede de la Bauhaus en Berlin


Berlin
Nunca se logró eliminar el tono político por completo de la Bauhaus y debido a los desacuerdos políticos solo duró un año más.



Grandes Maestros

Exploraciones luminico -
cromáticas de Itten
Los maestros de la Bauhaus eran a su vez grandes artistas reconocidos. Entre ellos figuran:

Johannes Itten: Influenciado por el cubismo y trabajo mucho el movimiento y el tiempo.

Obra de Paul Klee
Paul Klee: Trabajó la integración armoniosa de la forma y realizó obras junto a Kandinsky basándose en composición y color relacionado con el cubismo de Picasso.

Kandinsky: Trabajó las teorías sobre el color fundamentadas en representaciones artísticas y la Teoría de Tensión.
Composition VII de Kandinsky


Pintura de Oskar Schlemmer
Oskar Schlemmer: desarrolló las artes escénicas y representación de figura humana, también realizó reinterpretaciones de fotografías.

László Moholy – Nagy: Trabajó la construcción compositiva, ritmo y composición y fue una influencia para el arte cinética.
László Moholy – Nagy

Josef Albers: Llevo a cabo trabajos de collage y reutilización de imágenes, fue experimental en cuestiones de imágenes.



Constructivismo - Suprematismo: Diseño contemporáneo inspirado en el constructivismo

11 de noviembre de 2014
Suprematismo

Red Square por Kazimir Malévich
Aparece en Rusia en el año 1915 con el artista Kazimir Malévich. En el Manifiesto Suprematista se señala como valido  todo medio expresivo que permita que la sensibilidad se exprese de un modo pleno y que sea extraño a la objetividad habitual. Lo objetivo pierde el significado en el suprematismo. Buscaba mostrar el sentimiento, era un medio emotivo y expresivo que permitía que la sensibilidad se exprese.
El gobierno ruso rechazó las vanguardias artísticas como el impresionismo, posimpresionismo y expresionismo porque eran considerados manifestaciones desafiantes. Todo esto a través del Realismo Socialista donde resaltaba el uso del color rojo.


Constructivismo

Vladimir Lenin
Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en 1914 en Rusia. Se vio reforzado por la Revolución de Octubre que comenzó el 7 de noviembre de 1917, encabezada por Vladimir Lenin que buscaba derrocar el sistema social basado en desigualdad.
La Tribuna de Lenin
por El Lissitzky
Una de sus principales características fue que las representaciones eran en perspectivas poco reales. Ejemplo de esto son las obras realizadas por El Lissitzky, artista constructivista muy conocido. Sirvió como herramienta política, por lo que intervenciones arquitectónicas y artísticas en la calle se convirtieron en algo común. El rojo siempre era parte de su diseño y experimentaban con la tipografía.

El Manifiesto Realista de Naum Gabo y Pevsner en 1920, desacredito la idea del diseño y del arte de vanguardia, se benefició el utilitarismo característico del diseño soviético. El concepto primordial era la utilidad.

Fotomontaje de
Aleksandr Rodchenko
Dobroliot por Aleksandr Rodchenko
Aleksandr Rodchenko fue un importante artista de la época y además era un excelente fotógrafo. Kasimir Malevich utiliza por primera vez el término “Arte Constructivista” para referirse a Rodchenko.  En este estilo resaltaba el collage y en cuanto a estética casi siempre estuvo regido por el diseño geométrico. También fue una vanguardia muy experimental sobretodo en el área de cine y fotografía, esto porque estaban aliados con el régimen por lo que gozaban de extrema libertad.



Fotografía por Aleksandr
Rodchenko
Portada de El Hombre de
la Cámara
Por supuesto se involucró el cine con fines propagandistas. Dziga Vertov fue un genio del cine a principios del siglo XX porque precisamente experimentaba mucho. Todo lo que mostraba era en función de la vida política y como se supone que era la vida del proletariado. Una famosísima película de él fue El Hombre de la Cámara, en donde se mostraban cosas que jamás habían aparecido en las pantallas de cine.





Cartel del Acorazado Potemkin hecho
por Aleksandr Rodchenko
Monumento a la Tercera
Internacional
Serguéi Eisenstein en 1925, crea El Acorazado Potemkin la cual se convirtió en una de las obras más famosas a nivel internacional. También tuvo fin propagandístico, donde se buscaba crear una buena imagen del comunismo.

El símbolo del constructivismo fue realizado por Vladimir Tatlin en el año 1919 como una celebración a la tecnología, fue llamado el Monumento a la Tercera Internacional. La Tercera Internacional era una organización que reunía los grupos comunistas de distintos países.

Diseño de Iakov Chernikhov
En cuanto a arquitectura, Iakov Chernikhov fue uno de los más importantes, realizó muchos diseños pero nunca los volvió realidad. Su diseño estaba caracterizado porque tenía asociación estética con el futurismo y las estructuras externas se veían, lo cual era inusual para la época.
Shukhov Tower

La Shukhov Tower, ubicada en Moscú, es un ejemplo que aún existe en la actualidad de arquitectura constructivista. Hoy en día se discute su demolición aunque sea un símbolo de la ciudad debido a que perdió su utilidad y ese era uno de los fines primordiales del constructivismo.
La Escuela de Bauhaus se vio influenciada por todas las vanguardias pero por esta tuvo una especial relación. Incluso una de las sedes diseñada por Walter Gropious, era de arquitectura constructivista.


Diseño contemporáneo que se inspirado en el Constructivismo 

Posters constructivistas. El de la izquierda diseñado por
Kobelev y el de la derecha por Mayakovskiy y Rodchenko
El diseño de carteles es uno de los más influenciados por el constructivismo. Guiado por el diseño de cartelería de la Rusia revolucionaria que consistía en utilizar colores llamativos pero tenían una especial preferencia por combinar el negro, blanco y rojo, jugar con la tipografía y solían utilizar elementos en diagonal. Como ya se mencionó anteriormente, el fin de estos carteles era político y no decorativo.






Este movimiento tuvo influencia en el diseño contemporáneo. Ejemplos son:

Cartel para el disco Oktubre por Rocambole
La banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda argentina entre las más influyentes del rock en español, se inspiró en el constructivismo para caracterizar a su disco Oktubre publicado en 1986, en donde la banda muestra un gran contenido ideológico explícitamente. La portada del disco fue hecha por Ricardo Cohen, mejor conocido como Rocambole, quien es un artista plástico y diseñador gráfico argentino.
Portada del disco Oktubre por Rocanbole

La portada del disco contiene los colores rojo y negro que caracterizan al constructivismo y además juega con la tipografía de modo que se asemeje al movimiento, al reverso se muestra la catedral de La Plata en Argentina en llamas lo cual es un símbolo revolucionario.





Lilya Brik de Aleksandr Rodchenko
Portada de You Could Have it So Much Better
La banda Franz Ferdinand emplea en el diseño de la portada de su segundo disco You Could Have it So Much Better, publicado en el 2005, el estilo constructivista. La portada del disco estaba inspirada en el cartel de Aleksandr Rodchenko de la fotografía de Lilya Brick de 1924.






Beat the whites with the Red wedge de
El Lissitzky
Imagen de la canción This Fire
La canción This Fire de la banda también contiene  una imagen al mejor estilo constructivista inspirada en Beat the whites with the Red wedge de El Lissitzky.









El diseñador gráfico Shepard Fairey es famoso porque sus diseños toman elementos del cartelismo de propaganda política del siglo XX. Su obra más representativa es llamada Obey, en donde emplea todas las técnicas constructivistas en sus obras.








Entre sus trabajos destacan:
Portada de Walk in
the Line
La portada de la película Walk the line (2005) basada en la vida y carrera del cantante de música country Johnny  Cash.
Caratula de Mothership

La caratula del álbum recopilatorio de Led Zeppelin Mothership (2007) que contiene una selección de las mejores canciones del grupo.









Referencias:
Anónimo (23 de agosto de 2011). Diseño de carteles: La Revolución Rusa. Más que dibujitos: diseño ilustrado. Recuperado el 15 de noviembre de 2014, disponible en http://www.mas-que-dibujitos.com/diseno-de-carteles-la-revolucion-rusa/
Fairey, S. (s.f.). Gallery. Obbey. Recuperado el 15 de noviembre de 2014, disponible en http://www.obeygiant.com/

Dadá - Surrealismo: Diseño contemporáneo inspirado en el Surrealismo

7 de noviembre de 2014
Dadaísmo
La Fuente - Marcel Duchamp.
El Dada surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire, en Zurich- Suiza. Fue propuesto por el escritor Hugo Ball. Posteriormente se unió Tristan Tzara, principal idealista.  

Hans Arp fue uno de los pensadores de la vanguardia, y proclamó "Todos ellos eran dadaístas antes de nacer, el termino dadá no tiene ninguna importancia lo que importa es el espíritu..." El termino “dadá” creó mucha polémica ya que nadie sabia porque le habían declarado a la vanguardia “dadá”. 

Esta vanguardia se caracterizó porque era un arte muy irrespetuoso, su objetivo era burlarse de las convenciones literarias y artísticas, por ello buscaban el sin sentido de estas, haciéndolas mas expresivas, era un arte critico de tendencias de la época. Surgió en un momento en el que el afan de infantizar y ridiculizar el arte esfumo la diferencia entre arte y las obras hechas a mano.

La Bauhaus se influencio mucho por el dadaísmo, donde los objetos eran rediseñados conceptualmente y se implementó el collage tipografico.

Surrealismo
Rob Gonsalves
Guillaume Apollinaire acuñó el término surrealista en 1917. Les Mamelles de Tirésias sería el drama teatral que popularizaría el término.

Los escritos de Sigmund Freud impactaron profundamente al movimiento: las tres entidades que conviven en la psiquis fueron objeto de representación.

El surrealismo expresaba un escape de la realidad, algo conceptual. Tuvo una ruptura con las formas en las que se hace arte. Esta vanguardia representaba los lugares más profundos del subconsciente en los que se representaban las psiquis de Freud: el ego, yo y superyo. Dalí, uno de los máximos representantes del surrealismo trato de imitar la profunda confusión de los sueños en los que personas, objetos y eventos se confunden, y una sola forma puede representar varias cosas a la vez.
Ballet Triadico

En la Bauhaus el surrealismo se influenció por el teatro, ya que Oskar Schlemmer realizó el vestuario del Ballet Triadico.





Diseño contemporáneo inspirado en el Surrealismo
La artista japonesa Chooo-San realizó una serie de ilusiones ópticas surrealistas en sus manos y su rostro por medio de su aptitud para dibujar sobre piel, la cual ayudaría con su portafolio universitario. Este portafolio contiene fotos donde ella pinta partes de su cuerpo para realizar ilusiones bizarras. Ella aplica acrílico en sus obras y algunos objetos de la vida cotidiana para darle mayor realismo a sus obras. En algunas de sus obras se aprecia en la parte trasera de su mano un rostro alejado, su rostro lleno de ojos y una boca alargada y hasta una mano con baterías y su tapa.







Referencia:
Choo-San (2012). Surrealistic mutation illusions painted on face and hands.Designboom. Recuperado el 15 de noviembre de 2014. Disponible en http://www.designboom.com/art/surrealistic-mutation-illusions-painted-on-face-and-hands/

Vanguardias: Diseño contemporáneo inspirado en el cubismo

4 de noviembre de 2014
Vanguardias
Impresionismo
En la terraza por Renoir
Buscaban mostrar en las pinturas como se podían expresar impresiones sensoriales. La luz era el factor más importante, se retrataban cosas que estaban pasando en el momento.
La primera Exposición Impresionista se llevó a cabo en el año 1874 y tuvo sede en el taller del fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon y contó con la participación de Cézanne, Degas, Monet, Pissarro, Renoir y Manet, quienes a su vez, fueron los mayores exponentes de esta vanguardia.
En el año 1860, se fundó la Sociedad Anónima de Pintores que planteaba una formación al margen de la Escuela de Bellas Artes de París. Esto abrió camino a la experimentación artística.


Posimpresionismo
Salon de la Ru de Moulins
por Toulouse-Lautrec
Se centraron en la dimensión simbólica, espiritual y emocional del arte. Se caracterizó por el uso de líneas rectas y el paisaje ortogonal. Se concentraba en como los artistas entendían el espacio a través de los ojos del sentimiento.
Mujeres de Tahití por Paul Gauguin
Los colores fuertes fueron utilizados para expresar una perspectiva más dramática. Ejemplo claro de esto fue la obra de Paul Gauguin llamada Mujeres de Tahití, en donde Gauguin hizo un viaje a la isla y al llegar se decepcionó porque no encontró lo que esperaba, así que lo pintó como lo imaginaba. Reinaba la primacía de la nostalgia.
Utilizaban la misma técnica impresionista y no eran estrictos en el uso del color. Principales exponentes de esta vanguardia fueron Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Gauguin y Cézanne.
Fauvismo
Lujo, calma y voluptuosidad por
Henri Matisse
El cuadro inaugural de esta vanguardia fue Lujo, Calma y Voluptuosidad de Henri Matisse. Consistía en crear imágenes a través de trazos muy pequeños como puntillismo.
Un fauvista famoso fue André Derain. Característica del Fauvismo fue que los colores no tenían nada que ver con la realidad, expresaban sentimiento a través del color, los colores utilizados eran agresivos y no se mezclaban.



Futurismo
Victoria de Samotracia
El futurismo se vio influenciado por la obra Victoria de Samotracia, perteneciente al período Helenístico. Fue fundado por Filippo Tommaso Marinetti y en 1909 publica Le Figaro en un periódico parisino lo que sería el Manifiesto Futurista.
Buscaba separarse de lo clásico, griego y romano. Proclama el rechazo frontal al pasado y la tradición, definiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. Planteaba que el arte debe responder en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Il cavaliere rosso por Carlo Carrà
Intervino en muchos objetos. Tomó de la maquina sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la energía, el movimiento y la deshumanización.
Eran los artistas preferidos de Mussolini, por lo tanto, sus obras mostraban mucha política. El líder del fascismo se convirtió en el ícono del futurismo.


Cubismo
La fabrica del Horta de Ebro por
Pablo Picasso
A partir de una pintura de Braque que parecía hecha por una composición de pequeños cubos, Louis Vauxcelles bautizó al cubismo. Esta vanguardia consistía en el análisis de formas pictóricas y de la realidad.
La primera exposición cubista se llevó a cabo en 1911 en el Salón de los Independientes de París, en donde la mirada se centró en las estrellas del cubismo: Pablo Picasso y George Braque. Estos artistas tuvieron una fuerte influencia de Cézanne. El cubismo consistía en armar como un collage diferentes miradas o perspectivas superpuestas (especialmente el Cubismo Sintético) e interpretó la naturaleza desde su aspecto formal (Cubismo Analítico). De Matisse rescataron la perspectiva al estilo medieval y la plena libertad de colores.
La mesa redonda por
George Braque
Otra característica del cubismo fue el primitivismo debido a que se tomaron las máscaras africanas, por ejemplo, como referente para formas de caras y proporciones del cuerpo.
La narrativa en la pintura se convirtió en una de las ideas del cubismo que profundizó la relación de tiempo y espacio, movimiento y cambio.
El cubismo no influencio solo la pintura, también influenció el diseño. La Escuela de Bauhaus tiene una fuerte influencia de esta vanguardia. La estructura de los objetos responde a planos superpuestos y otras características del cubismo.






Diseño contemporáneo inspirado en el cubismo

Diseños de Paul Poiret
Desde el siglo XX, el cubismo ha formado parte importante de la moda y es una influencia en las formas que toman las prendas de vestir en la actualidad.
Diseños expuestos de Madeleine Vionnet, Callot Soeurs,
Jacques Doucet y Paul Poiret
Diseños de Ana Locking
Diseño de Óscar de la Renta
Se realizó una exposición llamada Cubismo y Moda en el año 1998, en donde se mostraba al cubismo como impulsor de otros fenómenos contemporáneos y se llevaron muestras sobre como las formas del cubismo habían abarcado la moda, con un total de 40 vestidos recopilados que habían sido diseñados desde el año 1908 hasta 1998. Fue una de las exposiciones más visibles de la temporada con sede en el Metropolitan Museum. La propuesta principal de esta exposición fue demostrar como el collage, las formas y los colores se relacionaron con texturas de los diseñadores como Madeleine Vionnet, Callot Soeurs, Paul Poiret, Jacques Doucet y Gabrielle Chanel. También deslumbraron obras de Gianni Versace, Yves Saint Laurent, Perry Ellis, Issey Miyake y Óscar de la Renta.

Diseño de Yves Saint
Laurent
Yves Saint Laurent era un diseñador deslumbrado por el arte de Matisse y del arte en general y  especialmente influenciado para sus diseños por el cubismo.
Uno de los ejemplos más actuales que demuestran la influencia en el cubismo en la vestimenta, son los diseños del mexicano Christian Cota presentados en la semana de la moda en Nueva York en el año 2010. El diseñador hizo uso de formas geométricas y estampados inspirados en esta vanguardia.







Referencias:
Agencia EFE (17 de febrero de 2010). El cubismo se tomó la semana de la moda en Nueva York. Caracol. Recuperado el 12 de noviembre de 2014. Disponible en http://www.caracol.com.co/noticias/entretenimiento/el-cubismo-se-tomo-la-semana-de-la-moda-en-nueva-york/20100217/nota/955057.aspx

Cavestany, J. (20 de diciembre de 1998). El cubismo a flor de piel. El País. Recuperado el 12 de noviembre de 2014. Disponible en http://elpais.com/diario/1998/12/20/cultura/914108404_850215.html


Israely, J. (18 de febrero de 2009). On Auction: The Art that Inspired Yves Saint Laurent. TIME. Recuperado el 12 de noviembre de 2014. Disponible en http://content.time.com/time/world/article/0,8599,1880292,00.html